Ve strojírenské budově Treťjakovské galerie je veřejnosti přístupná výstava architektonické grafiky „Pouze Itálie!“. Polovinu expozice tvoří věci ze sbírky Nadace Sergeje Tchobana, polovina - kresby ze Státní Treťjakovské galerie a další - práce čtyř současných umělců-architektů: Maxima Atayanta, Sergeje Kuzněcova, Michaila Filippova a Sergeje Tchoban.
Výstava je naprosto úžasná z mnoha důvodů. Kvalitní architektonická grafika je především materiálem, který má člověk k dispozici. Prozkoumat to od listu k listu, podrobně prozkoumat kadeře, stíny, personál, pořádek je perfektní potěšení.
Na druhou stranu nelze říci, že architekti jsou často zobrazováni v Treťjakovské galerii. Jsou tam téměř nikdy zobrazeny. A tady - expozice spojovala nejen věci ze skladů galerie, ale i ty, které mají malou šanci ukázat se jindy, s listy ze sbírky fondu Tchoban uloženými v Berlíně. Ve středu všeho, jako je koruna stvoření, jsou kresby moderních architektů.
Návrh expozice náleží kanceláři SPEECH a Sergejovi Tchobanovi, který uspořádal díla svých současníků (včetně svých vlastních) v malém rotundovém sále; v galerii, která ho obklopuje, jsou vystaveny grafiky 20. století; na dálku jsou ve dvou dalších obdélníkových prostorech vystaveny archy 18. - 19. století, rozdělené do dvou bloků: „Zrození tématu“a „Rossika“(díla ruských cizinců). Chronologie se tedy v prostoru expozice rozbíhá v kruzích, nebo přesněji konverguje z minulosti do současnosti: něco jako kruhy na vodě, jen obráceně.
Je třeba poznamenat, že SPEECH spíše důsledně rozvíjí motiv kruhového sálu při práci s výstavním designem: stačí si připomenout výstavu „Museum of Graphics“v ArchMoscow v roce 2013 (kdy ještě nebylo otevřeno Berlínské muzeum grafiky), nebo dva návrhy expozice ruského pavilonu na benátském bienále architektury: malebné dioráma města Vyšný Volochok v roce 2010 a „Pantheon“z QR kódů 2012, nedávno
znovu v Zaryadye. Kulaté haly jsou v designu moderních výstav poměrně vzácné - rotundový prostor není pro vystavování příliš vhodný, protože má tendenci přemáhat exponáty a sám o sobě vypadat důležitěji a hodnotněji. Je to chrám, ne muzeum, místo soustředění nebo dokonce služba.
Tato kvalita kola je zdůrazněna a použita při zavěšení. Grafika Nového Času je vystavována v souladu se všemi pravidly muzejního vystavování as patřičným respektem. V rotundálním prostoru vlevo grafický list přestává být sebehodnotný a stává se podřízenou součástí prostorového pozemku. Listy Atayants, Kuznetsov, Filippov, Choban jsou zavěšeny ve dvou řadách, aniž by upoutaly pozornost na každou jednotlivou práci jako hodnotu muzea (grafika 20. století v kruhové galerii slouží jako přechod, samotný vír již odstraňuje muzeum přísnost).
Význam tvrzení je dostatečně jasný. Moderní grafika zde není zcela exponátem, nýbrž deklarací samotné skutečnosti její existence - poslání pokračovat a oživovat tradici klasické kresby. Je součástí imaginárního chrámu umění, zatímco historická sbírka je něco jako jeho sakristie, úložiště cenných vzorků.
Je příznačné, že plastická vnitřní výpověď, která tak rafinovaně interpretuje obsah výstavy, zůstává v rámci klasického jazyka. Zcela bez objednávky, ale detaily a prostorové zážitky do kruhové haly přidávají skutečné grafické listy. Jsou jeho pomíjivou architekturou. Vezměme si například kulatou stranu Pantheonu, členěnou úhledně nakresleným soklem vykládacích oblouků: „panteon v panteonu“pokračuje v zahájené hře dále, již v imaginárním prostoru za rovinou grafického listu.
K tomu, co bylo řečeno, je třeba dodat, že výstava, počínaje „zakladateli“18. století, dále zkoumá specificky ruskou tradici obdivování Itálie a blíže k 21. se ukazuje, že tato tradice zde získala některé zcela zvláštní rysy, bez obdivu a v dobrém smyslu i posedlosti, kterou tak jemně zachycuje chrámový tvar sálu. Nikdo nevyznává studia starožitností tak upřímně jako Maxim Atayants; nikdo si nemyslí, že jeho architektura pochází z akvarelové krajiny, jako Michail Filippov; nikdo není tak oddaný skutečné hodnotě žánru architektonické grafiky, jako Sergej Tchoban, který vytvořil jeho muzeum, a Sergej Kuzněcov, který neustále chodí pod širým nebem. Výsledkem je společně heterogenní, ale určitě jedinečný fenomén.
Mluvili jsme se všemi čtyřmi vystavovateli současného salonu.
Sergey Choban Archi.ru:
Je to v současné době opravdu největší výstava architektonických kreseb vytvořených za účasti vaší nadace?
Sergey Choban:
- Myslím, že ano. Jak počtem předvedených prací, tak sledovaným obdobím se jedná o největší přehlídku. Zde jsou díla vynikajících západoevropských autorů, zakladatelů školy architektonické kresby 18. století a obrovské množství grafiky od vynikajících ruských umělců a architektů, kteří v této souvislosti aktivně pracovali.
Výstavy architektonické grafiky, které organizuje vaše nadace, se již formují v určitém pořadí. Existuje obecný plán, vektor rozvoje, nebo je děj pokaždé znovu vynalezen?
S. Ch.: Obecně platí, že pokaždé, když je to vynalezeno znovu, i když máme určité zásady. Zejména se snažíme spolupracovat s předními muzeálními institucemi. Jeden z našich dalších projektů bude společný s Albertinou z Vídně. Dr. Schroeder [ředitel Albertinského muzea ve Vídni - Archi.ru] byl v sálech našeho muzea v Berlíně a vyjádřil přání udělat společný projekt - máme z toho velkou radost a jsme hrdí na tento návrh. Existují i další projekty.
Existují plány na práci s Shchusev Museum of Architecture, myslím, že je to velmi důležité.
Jste sběratel, grafik, designér, architekt - jak to spolu souvisí?
S. Ch.: Zdá se mi, že se jedná o různé vazby stejné okupace. V historickém kontextu byli architekti také umělci; zabývali se nejen kapitálovými budovami, ale také scénografií a divadelními představeními.
Až do 20. století architekti neměli fotografii …
S. Ch.: Myslím, že fotografie nemá stejné cíle jako architektonická kresba. Kresba zachycuje nejdůležitější část lidské kreativity - architekturu, kterou člověk vytváří v přírodním prostoru.
Mezitím Maxim Atayants a Michail Filippov dělají klasickou architekturu, ale vy ne
S. Ch.: Samozřejmě že ne, to přímo nesouvisí s architekturou, kterou děláme. Zdá se mi, že studium architektury kresbou může vést k úplně jiným výsledkům: je to studium proporcí a prostorových efektů, struktury a detailů. Není nadarmo, že dnes se nejen v ruštině, ale i na mnoha evropských školách věnuje kresbě opět velká pozornost, protože pouze prostřednictvím kresby můžete vidět, jak se materiály různých struktur navzájem kombinují, jak látka nejmenších detailů do sebe proudí.
Vaše kresby na výstavách jsou vždy velmi dokončená díla, čerpající z přírody. Proč neukážeš náčrtky?
S. Ch.: Za prvé, téma této výstavy je zcela jednoznačné, neznamená nic jiného. A za druhé, samotné výkresy musí mít nezávislou kvalitu. Náčrtky ne vždy mají tuto kvalitu.
Vyrůstá váš obraz více z vaší sbírky nebo z vaší architektury?
S. Ch.: Myslím, že ta kolekce nakonec vyrostla z kresby. A spousta architektury, kterou dělám, vyrůstá z kreslení. Prostě to neroste rovně. Neexistuje nic takového, že nakreslíte budovu starověkého období a poté navrhnete něco podobného. Pak navrhnete něco jiného, protože zákony vývoje vesmíru jsou odlišné.
*** Podařilo se nám položit dalším třem účastníkům výstavy stejnou, v tomto případě důležitou otázku: zda se jejich grafika liší od té historické, a pokud ano, jak.
Maxim Atayants
Jak se liší vaše grafika od těch historických, které jsou zde vystaveny?
M. A.: Grafika je zde tak odlišná … Mám pocit, že čtyři současní vystavovatelé se od sebe liší téměř stejně jako od těch, kteří visí v jiných sálech této výstavy.
Éry jsou různé. Moderní grafika nemohla být ovlivněna kolosální vizuální redundancí modernosti. Za poslední dva roky bylo od prvního daguerrotypie na světě pořízeno více fotografií než za celou předchozí historii. Tlak vizuální redundance nás nutí zacházet s kresbou jinak a vytáhnout odtud něco, co, řekněme, není ve fotografii. Jsem docela profesionální fotograf, takže je pro mě důležité tyto věci porovnávat. Ale bojím se záměrně uvažovat o tomto tématu, protože úkol kresby a fotografie je stejný … Chtěl bych nějak vyjádřit radost a vzrušení ze setkání s těmito budovami. Quarenghi pravděpodobně vyřešil stejné problémy. A výsledek je jiný, protože doba je jiná. Jak jinak na to odpovědět?
Proč nejen fotografujete, ale také kreslíte?
M. A.: Ale na to mohu snadno odpovědět. Protože se jedná o různé mechanismy. Kreslení je způsob učení, jediný druh lidské činnosti, při kterém jsou mozek, oko a ruka zapojeny současně se stejnou intenzitou. Je nemožné strávit hodinu zamyšleně a soustředěně při pohledu na nějaký kus architektury, pokud nemalujete. Toto je způsob učení.
Fotografujeme pro ostatní, abychom se o ně podělili, a kreslíme sami pro sebe. Pro asimilaci. V mém případě alespoň.
Maloval jsi někdy z fotografie?
M. A.: Samozřejmě, jako každý idiot, který studoval na Akademii umění, jsem čerpal z fotografování v noci, když jsem například neměl čas dokončit seminární práci. Pak se mi zdálo, že to bylo snazší. Nyní se snažím nedělat to, protože se jedná o nesmyslnou napodobeninu procesu. Podle mého názoru jde o čerpání ze života.
Když něco kreslím a chápu, pak je tento proces hluboký. Proč to zjednodušit, když se snažíte levně dosáhnout stejného výsledku? Nebo navenek vypadají stejně. V těch případech, kdy jste neměli čas skončit na místě, někdy samozřejmě nahlédnete do fotografie … Ale to je druhořadé. Je úžasné, že nyní je pro mě mnohem obtížnější a delší kreslit z fotografie než z přírody. To je pravda.
Sergej Kuzněcov
Jak se liší vaše grafika od těch historických, které jsou zde vystaveny?
SK: Pokorně bych řekl, že to nemůžeme udělat. Jsem potěšen z prací Maxima Atayanta, který v sobě našel zdroj, dokázal se ponořit a jít do jiného stupně detailů - je jasné, že obtížné neznamená dobré, ale prostě neznamená špatné - ale přesto, jaké výšky dosáhli staří mistři, a v trpělivosti, v tvrdé práci a v oku - to je úžasné. Musíme se naučit … Stále se závistí dívám na grafiku zde prezentovanou; zvládnutí takové dovednosti by samozřejmě bylo skvělé.
Znamená kreslení klasické architektury snahu o budování klasické architektury?
SK: Ne, to vůbec neznamená. Kreslení klasické architektury by nemělo být spojeno s designem klasické architektury, stejně jako čtení knihy Tři mušketýři neznamená, že jste připraveni zítra házet mečem.
Jak je tedy s vámi osobně spojena architektura a malba?
SK: V tomto smyslu jsem člověk ze staré školy, vážím si základních, řemeslných dovedností. Zdá se mi, že způsob, jakým je architektura vytvářena, se nezměnil a neměl by se měnit: člověk musí projít myšlenky, vjemy, pocity skrz sebe - počítač nedovolí vyjádřit vše. Hluboce a vážně jsem miloval počítačovou grafiku, měl jsem mnoho publikací a výstav, což mi dalo příležitost porovnat práci s rukama a očima - a práci s počítačem. Když máte kontrolu nad svou rukou a dokážete vlastními rukama vylíčit, co je ve vaší hlavě, pomůže vám to osobně a také dobře poslouží jako nástroj přesvědčování.
Proč neukážeš náčrt grafiky?
SK: V tomto případě by to nebylo vhodné … Toto není vědomá pozice; budou návrhy - vystavíme. Obecně řečeno to není pravda, vystavujeme to - na výstavě „architekta roku“v Arch Moskvě jsme měli náčrt kresby. Máme spoustu kvalitních skic. Rukopisy podle mého názoru prostě nebudou diváky zajímat. Obecně bych řekl, že zájem publika o jakoukoli práci je přímo úměrný množství práce do ní investované.
Jak jste začali kreslit historickou architekturu?
SK: Začal jsem kreslit dlouho před vstupem na vysokou školu. Moji rodiče nebyli nijak spojeni ani s uměním, ani s architekturou, ale byla jsem unesena různými kreativitami, prototypováním, kresbou, a tak jsem se zúčastnila přípravných kurzů v Moskevském architektonickém institutu. Od té doby jsem nepřestal malovat; i když po ústavu nastala pauza, když jsem se již nezabýval manuálem, ale počítačovou grafikou.
Později, když jsem začal pracovat se Sergejem Tchobanem, někde kolem roku 2006, navrhl jsem mu, aby cestoval do různých měst, kreslil architekturu. Od té doby pravidelně několikrát ročně cestujeme, abychom malovali architekturu. Naše první cesta pod širým nebem v Římě byla například ve stopách Piranesiho.
Michail Filippov
Jak se liší vaše grafika od těch historických, které jsou zde vystaveny?
M. F.: Na takovou otázku nemohu odpovědět. Mohu vám říci, jak se architektonická grafika liší od architektonické krajiny. Již 30 let jsem členem Unie umělců a vystavoval jsem jako umělec na mnoha místech, včetně Treťjakovské galerie a Ruského muzea. Pro mě je tato otázka naprosto jasná. Architektonická krajina, kterou se naši předkové zabývali, je především kvalitní kresba a organizace listu s uměleckým přístupem. Bohužel většina architektů namaluje svůj oblíbený objekt jako malou perspektivu, nikoli jako krajinu.
V sovětských dobách jsem dokonce pracoval na základě smluv Akademie umění jako čistý malíř krajiny. Během perestrojky se tam dostali k moci Serovité - většina z nich jsou dobří umělci, realisté, Gritsai, Reshetnikov, Nalbandian … Byla tam také silná technická grafika.
Zbytek sovětské grafiky se vyvinul ve směru modernistické organizace listu: například pokud je voda světlá, pak je napsána úplně bílá atd. Když jsem začal psát, myslel jsem více na nuance, mezitóny; odstíny bílé noci, kvalita kresby, jemnosti perspektivy … To mě v té době udělalo docela jedinečným, tito staří lidé mě velmi milovali. Pracoval jsem na základě smluv, přišel jsem jim to ukázat, udělali pár komentářů - bylo to, jako by mě páni sledovali.
Takže necítím velký rozdíl se starými pány. Pokud by neudělali technický výkres, ale krajinu. Přístup ke krajině byl jako umělec. Architektonická fakulta Akademie umění najala najednou ty, kteří kreslí lépe, a malbu - ty, kteří kreslí horší. A dali diplom pod jménem „umělec architektury“- to bylo formulováno až do roku, který si nepamatuji přesně. Necítím s nimi žádný rozdíl, zvláště pokud jde o díla ze začátku století. Byl jsem vychován na dílech Ostroumova-Lebedevy.
I když pro mě je zajímavá další nuance - bílá noc. Ruská krajina byla nuancována v přechodných státech. Například Vasiliev - tání, žádná zima, žádné jaro, žádné světlo, žádná tma, polotón, sluneční paprsek … Ve světovém malířství nenajdete kvalitní krajinu, ve které by byla jasně modrá nebe a jasná zeleň! Možná Rylov něco takového může mít, nebo Cezanne, ale to už je jiné.
Ukázalo se, že máte dvě témata: architektonickou krajinu a architekturu …
M. F.: Ne! Není v tom žádný rozdíl. Krásná architektura by měla být spojena s přírodou, se sluncem. Znám a miluji historii umění velmi dobře. V 80. letech bylo pro mě zajímavé pokračovat v tom, co bylo zkráceno ve dvacátých letech, kdy se malba nějak začala proměňovat v - možná velmi kvalitní - ale modernismus.
Myslíte si, že je skutečné růst společně?
M. F.: Ano, toto je absolutní realita. V lednu tohoto roku jsem to předal - byly odstraněny lesy ze 750 tisíc metrů čtverečních obytných budov.
V Soči?
M. F.: Nejen v Soči, v Moskvě je dům na ulici maršála Rybalka. Ujišťuji vás, že toto je ztělesnění stylu z roku 2001, s nímž jsem přišel před třiceti lety.
Cítíte to jako ztělesnění vašeho obrazu?
M. F.: Ano, ano … nevidím rozdíl.
Věřte tomu nebo ne, absolvoval jsem Akademii, přišel s konceptem a poté jsem si poprvé vzal štětec a akvarel. Nenapsal jsem na akademii ani na uměleckou školu. A pokud jsem napsal, je nemožné podívat se na to, co jsem tehdy dělal.
*** výstava je otevřena do 27. července (otevírací doba)
